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环球医网 首页健康实用书健康阁开花的身体第三十一部分:时髦青年的精神偶像不朽的赫本
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开花的身体
开花的身体TXT目录索引
 第一部分:给人类的一件礼物前言
 第二部分:给人类的一件礼物虐恋之美
 第三部分:给人类的一件礼物O娘的情欲
 第四部分:给人类的一件礼物男人的束腰、马裤、黑死病
 第五部分:给人类的一件礼物脚越小美丽越大
 第六部分:给人类的一件礼物时装之父和第一个模特
 第七部分:给人类的一件礼物巴斯尔的翘臀欲望
 第八部分:给人类的一件礼物高贵的假领子
 第九部分:给人类的一件礼物与时髦无缘的男人
 第十部分:给人类的一件礼物新艺术的S体态
 第十一部分:给人类的一件礼物风流寡妇的帽子和吉布森女郎
 第十二部分:给人类的一件礼物保罗·波烈——紧身胸衣终结者
 第十三部分:给人类的一件礼物炮火开创爵士乐时代
 第十四部分:给人类的一件礼物口红挺起来
 第十五部分:给人类的一件礼物改变乳房
 第十六部分:给人类的一件礼物夏奈尔5号·直筒裙·假珠宝
 第十七部分:给人类的一件礼物斜裁大师维奥尼
 第十八部分:给人类的一件礼物斯基亚帕雷里和她的龙虾裙
 第十九部分:给人类的一件礼物尼龙卷起丝袜狂潮
 第二十部分:将“瘦身”推向极致乘“最后一班地铁”去美国
 第二十一部分:将“瘦身”推向极致爱上军装
 第二十二部分:将“瘦身”推向极致认识巴伦夏加
 第二十三部分:将“瘦身”推向极致迪奥的新形象
 第二十四部分:将“瘦身”推向极致泳装在比基尼爆炸
 第二十五部分:将“瘦身”推向极致玛丽·奎恩特的迷你风暴
 第二十六部分:将“瘦身”推向极致旗袍·月份牌·过滤嘴香烟
 第二十七部分:将“瘦身”推向极致牛仔传奇
 第二十八部分:将“瘦身”推向极致当摩登遭遇摇滚
 第二十九部分:将“瘦身”推向极致辛普森,在时尚里彰显皇权
 第三十部分:时髦青年的精神偶像成衣时代
 第三十一部分:时髦青年的精神偶像不朽的赫本

 

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    阅读:开花的身体  作者:罗玛  | 上海社会科学院出版社出版 txt文本格式
    第三十一部分:时髦青年的精神偶像不朽的赫本
    时髦青年的精神偶像瓦伦蒂诺·加拉瓦尼(1)

    瓦伦蒂诺(Valention),1932年出生于意大利佛杰拉城,17岁移居巴黎,就读于巴黎美术学校及巴黎时装联合会设计学院,主修服装设计,毕业后开始了在巴黎时装界从师学艺、披荆斩棘的奋斗历程,曾做过法国著名服装设计师盖·拉罗修(Guy Larache)的助手和主要协作者,羽毛渐丰后在意大利和罗马分别开设了两个时装店。那是1957年,高级订制时装仍是时装业的主流,瓦伦蒂诺以为世界各地的名流富豪设计时装而立足。

    1968年,他举行了著名的“无色彩”个人时装发布会,以极具时代感的“白色”系列震动时尚界,并与同年获得时装界的奥斯卡奖——耐曼·马克思奖。这次时装发布成为他设计生涯的转折点,其简单而不失华丽的风格在他后来的作品中得到了一再的展现和延伸,杰奎琳·肯尼迪再嫁希腊船王的时候,穿的就是他以这一风格特制的婚纱。

    1970年代,他倡导的“穿衣新法”开创了一代新风尚,如紧身开衫配印花的褶裙,或套装衣裤外加长大衣等。在这些设计中,外套和大衣均占有重要地位,并以精湛的手工技巧将法国刺绣和意大利面料糅合在一起。1975年,VALENTION公司开始在巴黎推出自己的成衣,其中的奥利佛系列(Oliver)是他主要的成衣系列。这一阶段,黑色成为他的主调,白色则和灰配在一起作为装点和修饰。他所喜欢的草香奶油色也的到了大量的运用,用以衬托出被阳光晒黑的小麦色肌肤;而代表吉祥的红色,则在低调的奢华中制造出出人意料的效果。

    瓦伦蒂诺近年的设计,以大量刺绣、流苏以及小凫色、鲑鱼色、橄榄色、芥末色等辛辣香料色素带来浓郁的异国情调,同时以披肩流苏或网眼布的阴影制造出神秘性感的效果。在这些设计中不难发现,蕾丝和丝绸始终是他的最爱。1994/1995年推出的灰色系列中,合体的裁剪加上柔软的丝绸与蕾丝,可谓是对女性之美的尽情颂扬。而中国盘扣的大量出现,则导致了中国风在国际时尚舞台的盛行。

    1996/1997年的春夏是一个充满了朝气的季节,VALENTION的粉色系列亮丽登场:合体的短衣配以罩着蕾丝或镶着精美荷叶边的A型裙,柔和的色彩加上特殊的针织面料,令人眼花缭乱。1997年的设计则重回优雅:合体的裁剪、方中带圆的肩部、超短或超长的裙子、粗细适中的皮带、细细的高跟鞋,使人们再次体味到女性的阴柔之美。

    在此以后,我们看到VALENTION一向钟爱的蕾丝变得硬了起来,装饰感极强的彩色长羽毛领、羽毛腰带甚至完全用鸟羽毛做成的上衣,出现在他最新的展示中。1998年,他开始和纪梵希一样走起西部女郎的路线,只不过他的“女郎”更性感和浪漫:典雅的钉珠女装、皮裙、流苏、缀以刺绣的裤子、透花皮裙等,皆充满女性的诱惑。

    时髦青年的精神偶像“马球手”拉尔夫·劳伦

    被美国人视为时装牛仔的拉尔夫·劳伦特别喜欢西部传说中的英雄好汉,包括他们的皮靴、牛仔裤以及缀着神流苏的小山羊皮外套。这些都无一例外地转化在他的时装之中,成为美国面貌的一部分。

    1939年出生于纽约的拉尔夫·劳伦最早以推销领带为生,1967年推出以马球“POLO”命名的丝质领以其宽大的造型和鲜艳的色彩一炮走红,在这之后他又为男人们设计了一系列与领带配套的马球牌产品,并开始涉足时装设计领域。

    当这个靠领带起家的设计师在好莱坞贝弗利山开起首家POLO专卖店的时候,他知道机会来了。他不仅向人们出售男装、领带以及女装,同时还开始向人们出售一整套的生活方式。经历过拉尔夫·劳伦鼎盛期的人们还应该记得那个著名的广告:一个家族的几代成员簇拥在豪华的庄园里,他们谈笑风生、安乐、富足,更重要的是——使用着马球牌产品。如此美妙祥和的画面,谁能不为之动心呢?从一件舒适的斜纹软呢上衣,到温馨华贵的家庭生活,拉尔夫·劳伦的服装所涵盖的并不仅仅是一个人的身体,它还代表了一种被美国上层阶级津津乐道的生活方式。

    大笔的广告投入带来大笔的利润,拉尔夫·劳伦的商业头脑一向为美国人所敬重。他的品牌不仅包括了领带、男装和女装,还开始向香水、童装、箱包、眼镜、室内装潢、女性饰品等领域进军,并很快侪身同行富豪榜的前列。

    拉尔夫·劳伦的产品可以看作是幻想与现实的一种技术结合,他的设计从日常服装到晚礼服,从运动装到浴巾、台布以及其它的日用品,都保持着美国东部生活的显著特点,其设计灵感追根溯源可以看出主要来自英美上流社会、西部传奇、旧电影、20世纪30年代棒球运动员以及当时的贵族阶层等。其作品用料上乘,款式大方,穿着舒适,以纯棉织物和粗纺毛呢居多,这种含而不露的着装风格,教会了许多暴发的美国人如何将新衣穿得像旧衣一样。他的马球手标志也随之变成一个特别容易辨认的身份标志。

    当拉尔夫·劳伦用他所倾销的生活方式将人们弄的神魂颠倒的时候,他自己却一身轻松地说:“你们想我会怎样?我只想做我喜欢做的事。我压根儿不喜欢时髦的衣服,我只喜欢那些看上去永远也不过时的衣服。”

    时髦青年的精神偶像我风雨兼程的老伙计

    提起风雨衣,我们会想到不列颠的山村、Barbour短外套、粗花呢猎装、威灵顿长统靴,以及长着两颗大板牙却从没听说过牙医的村野老夫,他们穿着这样的奇妙组合沿着乡村小路缓缓走来,身后跟着健硕漂亮的金毛猎犬。

    老牌的Burberry风雨衣自1870年被它的创始人Thomas Burberry发明出来,至今已经历了一百多年的风雨而不衰。这种雨衣以经典的格子图案、独特的布料功能和大方优雅的剪裁,为英国赢得了不朽的声望,成为“一战”时英军的征衣和英国皇室的御用品牌,在字典里甚至用Burberry来代表风雨衣。

    但最初的风雨衣面料毕竟是用煤焦油与橡胶混合制成的,不仅质地僵硬,而且气味十分难闻。这种状况在敞蓬马车和福尔摩斯的小说时代之后,得到了极大的改观,它不仅成为衣架上抵御狂风暴雨的必需装备,而且由于其越来越多的品种与式样,而成为年轻人比酷扮帅的道具和时尚。从Burberry、Aquascutum的经典样式,到Louis Vuitton的豪华新款,风雨衣不但适合公园里喂鸽子的老太太,也适合跑得飞快的裸体狂、自诩不凡的影星名流、喜欢穿深色西服的商人,以及总是一身名牌休闲装的上流社会女子。

    但到了20世纪五、六十年代,由于法国和意大利高级时装品牌急起直追,迫使Burberry退缩于成熟男性风雨衣市场,成为“只有老男人才穿的老掉牙的品牌”。1980年代,日本人开始狂热追捧Burberry,致使该管理层把品牌的特许生产权交给了日本三井贸易集团。到了1990年代,日本的销量占到了总销售额的75%左右,这使得Burberry几乎变成了一个亚洲品牌。亚洲金融危机给了Burberry致命的一击,1996到1997年前后,业界盛传LVMH、Gucci和Prada集团都想低价收购它。

    好在Burberry公司及时起用了前Montana和Jil Sander的设计师罗伯托·麦尼切迪(Roberto Menichetti),重新调整过时的乡村款形,为都市青年提供新的形象。Menichetti不负众望,成功地赋予了Burberry经典格纹以全新面貌,他先后设计出了米色、海蓝色、黑色或灰黑色的格子,比传统的苏格兰格子更有现代感,又不失怀旧的风格。

    1999年,Burberry请来了英国最著名的模特凯特·莫斯(Kate Moss),让她身着格子婚纱为Burberry拍摄了一组广告宣传片和海报。在一幅直到今天仍然被奉为经典的海报上,凯特·莫斯身着格子婚纱,与身穿格子燕尾服的新郎举行了一场“英伦格子婚礼”,婚礼上的所有嘉宾都穿着带有Burberry格子的服饰,所有的用具也都用Burberry格子作为装饰。这一系列的海报在各地好评如潮,它不但使Burberry再度成为最抢手的热门时尚品牌,而且迅速地受到了各个年龄阶层消费者的青睐。莎朗·斯通、麦当娜、辣妹维多利亚等时尚名流也开始热衷Burberry。

    随后,凯特·莫斯又身着“格子比基尼”等服饰为Burberry拍摄了一系列广告,引发了世界各地年轻少女对Burberry的追捧。亚洲畅销片《我的野蛮女友》中,女主角全智贤在几个重要片断中穿着的都是Burberry服饰。

    一度过时的风雨衣又回来了!Burberry不仅面貌一新,而且面料也格外丰富多彩:防水布、羊毛、罗登缩绒厚呢……。带着世纪末的些许感伤,风雨衣却反而拥有了其他时装所没有的开阔视野:印度与冰岛的主题、时髦的波希米亚、浪漫主义以及魅幻摇滚的特征。

    嘿!Burberry,我风雨兼程的老朋友,让我们登上不列颠的长统靴,继续上路吧。

    时髦青年的精神偶像卡尔文·克莱恩的性感内裤

    时尚的讽刺意味有时在于,一些人买不起Calvin Klelin(卡尔文·克莱恩),就千方百计地将标有CK字样的内裤露出来,表示自己也穿上名牌了。

    和拉尔夫·劳伦一样,克莱恩也是以激动人心的广告大战赢得国际声誉的。这样说或许有些不公平,因为不管怎么说,他毕竟也设计出了许多令人难忘的作品。但不可否认的是,如果没有1970年代的那则著名广告,我们今天很可能就不知道卡尔文·克莱恩是谁。

    那实在是太经典了,以至于MBA的市场学课程里都不得不提上一笔:当身材妖冶、面孔清纯的波姬小丝穿着全世界第一条名牌牛仔裤出现在镜头前,并娇滴滴地问:“猜猜在我和我的牛仔裤之间有什么”时,有些人紧张的汗都要出来了。而接下来的一句还要精彩:“什么也没有”。人们疯狂了,带着一颗发热的脑袋一窝蜂地冲向Calvin Klelin的牛仔专柜。就这样,他的牛仔裤以每周40万条的速度,直攀销售的惊人高峰。

    看惯了花团锦簇、神秘妖冶的法国时装,有人或许会认为克莱恩的衣服太简单了:怎么?一件毫无花饰的直筒紧身长裙也能算时装?然而,当以一部《欲望城市》而出名的Parker穿着这件无肩带的晚装出现在奥斯卡颁奖台上时,人们的看法一下就变了:原来简单也能如此性感!

    如同纪梵希拥有奥黛丽·赫本、伊夫·圣·洛朗拥有嘉芙莲·丹露、范斯哲拥有相对逊色得多的麦当娜一样,卡尔文·克莱恩也拥有他的CK女郎,这就是凭借一部《恋爱中的莎士比亚》而急速走红的好莱坞女星Gwyneth Paltrow,从奥斯卡的颁奖典礼,到平常的休闲场合,Paltrow的每一次亮相都为克莱恩赚足了回头率。1997年,美国VH1音乐电视台时装奖的颁奖典礼上,Paltrow穿着一件无袖的弹力紧身黑色长裙出场,其低调简约的姿态一举夺得年度最佳衣着品位女性奖。

    简约主义之所以能在20世纪后期成为时尚的主流,是与这一时期盛行的健美健身运动互为因果的:女人们再也不需要用隆胸、束腹等一系列手段来折磨自己了。相反,她们希望以简洁的衣服来衬托自己的娇好的身段和结实的肌肉。卡尔文·克莱恩设计的一系列具有运动感的时装,恰倒好处地顺应了这股潮流。不仅如此,他的长裤女套装、T恤式的连衣裙以及紧身的牛仔裤等,都体现出一种基本的美国风貌:既前卫摩登,又大方别致。对于忙碌的美国人而言,购买这样的服装不失为一个既得体又实惠的选择。1990年代中期,他推出的时装融日本前卫时装与美国传统运动服的风格于一体,体现出一种极具现代性的性感。

    卡尔文·克莱恩的产品涉及了诸多领域,香水、手表、眼镜、化妆品、鞋靴、手袋以及家居用品等,都是他试图占领的阵地。当然,还有内衣。

    时髦青年的精神偶像摇扇子的卡尔·拉格菲尔(1)

    提起法国的“柯劳耶(Chloe)”、“夏奈尔(Chanel)”或意大利的“芬迪(Fendi)”,就不得不提起它们的首席设计师卡尔·拉格菲尔(Karl Lagerfeld),这位德国设计师之所以备受关注,不仅仅因为他的出众的才华,还因为他有一双慑人的眼睛,和一条与众不同的小辫子。

    据说,有一次拉格菲尔到一个十八世纪风格的城市观光,穿着一身织锦缎的僧袍式大衣,扎一条马尾编,手摇一把折扇,活脱脱一个东方的纨绔子弟的样子,引起了很多人的注意。这身打扮令他十分得意,以至于后来再也不肯解开那条辫子,无论到那里都要拿着那把标志性的折扇。

    很少时装设计师有他那么富裕的家境。1939年出生于德国汉堡的拉格菲尔,父亲是一个实业家,在汉堡拥有一个庞大的乳制品帝国。母亲则是一个有着时装怪癖的女人,常常带着幼年的拉格菲尔专程去巴黎逛时装店,以至于这个男孩的最早记忆“就是叫男仆烫一烫我的衬衫领子。”

    拉格菲尔之所以从小就喜欢巴黎,并不是因为那里有世界上最漂亮的女人,而是因为那里有世界上最漂亮的时装。他5岁就开始学法语,十四岁搬到巴黎。两年后即1954年,他的时装设计被国际羊毛局举办的设计竞赛入选,获得外衣部第一名。1955年,成为皮尔·巴尔曼的助手,三年之后,又受聘担任让·帕杜公司的艺术指导。

    卡尔·拉格菲尔真正迈入时装界的时候刚刚二十出头,他并没有追随当时风行伦敦的青年女装运动,也无意以标新立异来获取声名,而是选择了为法国名牌“克劳耶”和意大利的皮草世家“芬迪”担任设计师。1965年,拉格菲尔以其特有的勤勉和睿智,赢得“芬迪”女主人卡拉·芬迪的信任,并担任其首席设计师。他为芬迪设计的经典时装令人至今难忘,在被那个称为“皮草盛典”系列展示中,他将各种毛皮分割成条状再加以混合处理,创造出令人刺激的效果。米兰设计师不像巴黎设计师那样追求新奇,所以拉格菲尔为“芬迪”所作的设计,始终把握在一种极其旖旎的女性化形象之中,矜持而不严肃,活泼而不轻佻。

    时髦青年的精神偶像摇扇子的卡尔·拉格菲尔(2)

    更能代表拉格菲尔设计风格的,是他为“克劳耶”设计的女装。“克劳耶”之所以被舆论界公认为格调高雅、活泼、实用,主要是由于拉格菲尔比其他设计师更能体现巴黎时装的精神本质。早在11960年代初,拉格菲尔就开始和“克劳耶”合作,经过二十多年的努力,拉格菲尔的风格早已与“克劳耶”风格打成一片。与伊夫·圣·洛朗相比,他的“克劳耶”更加地轻松和自由,并富有幽默感。他设计的夹克或大衣,腰线很低,裙子修长且有力度;晚礼服则常以丝绸、刺绣、珠片和钻石制成,被誉为“宛如溪流中迸出的水花”。1972年春的“克劳耶”系列中,拉格菲尔开始了成衣时装与高级时装的融合。那是一组“夏奈尔”式的翻领套装,黑白印花和出色的斜裁显示了他高超的技艺。

    1970年代后,拉格菲尔开始使用化纤面料设计服装,并善于使用无缝或假叠层的方法设计现代“克劳耶”。这种便装化的时装受到热烈的欢迎,使拉格菲尔成为1970年代举足轻重的设计大师,和高田贤三并称为“巴黎双K”。

    1980年代,“克劳耶”开始了新的变化,外衣肩部宽大,并突出腰身弧线。1982年的秋冬系列颇有未来味道,深袖笼,还有被他叫做“榔头”式的袖子。另一组他称之为“席勒”的女上衣,宽而低的领子,腰部线条生硬,具有浪漫诗人的风度。1984年的样式则有稍宽而削肩的打褶上衣,印花丝裙,下摆自然松散开来,腰际再加一截短罩裙,并饰以缝纫工具造型的装饰。

    别出心裁的装饰是拉格菲尔的另一特点。有一次,他以乐器为主题,用琴键、班卓琴或圆号的形象制成饰针;在另一系列中,他又以各种五金水暖工具模型制成项链、帽饰等,装饰在他设计文雅的时装里。

    1983年,拉格菲尔受聘于夏奈尔公司,并在后来的努力中,被认为是继夏奈尔本人以来最成功的“夏奈尔”设计师。在他之前的“夏奈尔”设计师们,一味遵循“小夏奈尔套装”的定型模式,生产出来的服装既无新意,也无法还原其原有的魅力。而拉格菲尔的“夏奈尔”则完全不同。在夏奈尔逝世十二周年纪念展示会上,“夏奈尔”富有的追随者们应邀来到她装饰着二十一级镜面楼梯的著名沙龙,其中包括了帕罗马·毕加索、法兰西总统蓬皮杜的夫人、明星多明格·珊丹和伊沙贝尔·阿让等,她们对拉格菲尔创造的“新夏奈尔”惊讶不已,赞不绝口。在这组系列里,他将“夏奈尔”的经典黑色变成艳丽的色彩,并辅以精巧的绣花,使“夏奈尔”焕然一新的同时,又注入了新鲜的华丽血液。1970年代之后,几乎所有的人都感到,“夏奈尔”开始越来越年轻了。

    正如他自己所说的,作为一架高速运转的“时装机器”,拉格菲尔的天才表现在他能同时为几种不同的品牌设计出不同的产品。除了“夏奈尔”、“克劳耶”、“芬迪”之外,他还为查尔斯·若丹设计手套和鞋子;为巴朗多设计针织衫;为瓦伦蒂诺设计鞋子;为罗曼设计男装。此外,他还为“克劳耶”设计香水,为剧院和电影设计戏装。

    时髦青年的精神偶像汤姆·福特的古琪新语(1)

    在提及大名鼎鼎的美男设计师Tom Ford(汤姆·福特)之前,不得不提Gucci(古琪)家族,没有这个几近覆灭的老牌子垫底,Tom Ford再有能耐,恐怕也难以像今天这样大红大紫。当然,如果他去好莱坞当了明星,又是另一回事。

    让我们将时光回溯到1906年,这天,一个名叫Guccio Gucci的意大利小伙子从佛罗伦萨来到伦敦,他在豪华的RITZ饭店找了份工作——不管你信与不信,大名鼎鼎的Gucci就是这样开头的——他放下简单的行李,在厨房干起了杂工。这可真是卑微又劳累的工作,但Gucci干得不错,很快,这个对豪华场面极为留心的小伙子被提升到餐厅当了服务生。

    1922年,Gucci带着在豪华饭店得到的见识和回到家乡,和他同时回去的还有一个能干的女裁缝——他的妻子,他们夫唱妇随,在佛罗伦萨开了第一家箱包皮具店,店名就叫GUCCI。

    很快,印有双G标志的的皮具在RITZ饭店的豪华参照下,成为优质和身份的象征,经营的范围也由佛罗伦萨扩大到罗马、米兰等地。1953年,Guccio Gucci去世,接管公司的3个儿子决定将分店开到美国。此后,GUCCI分店又分别扩展到英国和法国。

    GUCCI成了新贵和明星们的身份标志。20世纪50年代,好莱坞的一线明星们如奥黛丽·赫本、格蕾斯·凯丽、索菲亚·罗兰等,都曾是GUCCI的拥 。1956年,格蕾斯·凯丽与摩洛哥国王结婚,婚礼上向每个客人馈赠的礼物,就是GUCCI的手套和围巾。1970年代,GUCCI的家族经营达到了历史上的峰巅,《纽约时报》将这一时期称之为“GUCCI mania(GUCCI疯狂),并这样描述GUCCI狂们:“脸上戴GUCCI太阳镜,脖子上系GUCCI围巾,肩上背一个GUCCI挂包,手腕上戴GUCCI手表,身穿GUCCI皮衣裤,脚上当然是一双GUCCI皮鞋。”

    GUCCI产品的迅速扩张使这个经典的老牌子成为盗版市场的大肥肉,一时间黑市上充斥着廉价的GUCCI产品,GUCCI的身价也随之一落千丈。

    面对这种不利的局面,GUCCI家族的内部开始出现分歧,最终由三兄弟中的Aldo担当该集团的CEO,决策GUCCI的发展方向。但Aldo显然不能服众,不仅如此,家族成员对他的质疑越来越深,Aldo自己的儿子Palo甚至要脱离家族另起炉灶。为此,GUCCI的董事会由激烈的争辩演变为大打出手,Aldo也表示出对儿子的强烈不满。愤怒之下,Palo揭发出父亲私藏公款的事,致使Aldo以逃税罪,被判入狱一年。

    出狱后的Aldo发现GUCCI家族已分崩离析,并迅速滑向破产的边缘。1985年,美国公司INVEST CORP.买下Aldo持有的50%GUCCI股份,8年之后,又以1亿5千万美元买下了在Aldo兄弟的儿子Maurizio手上的另一半股份。至此,GUCCI完成了它作为家族企业的全部历程。但事情还没有完。

    1995年,即在卖掉股份的两年以后,Maurizio Gucci在自己的办公大楼前被人枪杀。两年之后警方差出了真凶,原来是他的前妻花钱杀了他。GUCCI进入了其历史上最黑暗的时期,几乎没人相信这个已经成为“咸鱼”的品牌会有翻身的一天。

    现在,该谈谈Tom Ford了。这个漂亮的小伙子1986年毕业与纽约的PARSONS设计学院。当他发现建筑设计要和很多公文和法律条例打交道时,便转向时装界求发展。1990年,他离开纽约来到欧洲,说服了GUCCI当时的创意总监Dawn Mello,成为她的一名助手。那正是GUCCI最混乱的时期, INVEST CORP. 于1993年买下GUCCI的全部股份后,派了原GUCCI美国分公司的总裁Domenico De Sole到意大利总部任COO。De Sole到任后接到来自Maurizio的第一个指令:开除Tom Ford。

    时髦青年的精神偶像汤姆·福特的古琪新语(2)

    所幸的是De Sole没有那么做,尽管他对Ford同样并无好感,但以GUCCI当时的状况,他想不出Ford走了,还有谁能更好地接替他。

    1994年接任GUCCI创意总监的Tom Ford可谓临危授命,更糟的是他在1995年推出的第一个设计系列就惨遭失败。一番闭门思过后他得出结论:作为创意总监,他再也不必顾虑别人的想法了。他要为所欲为。

    1995年3月,正在进行中的米兰秋冬时装展上爆出冷门:Tom Ford设计的一款深兰色天鹅绒紧身直筒裤配果绿色绸缎衬衣、外加苹果绿mohair短大衣的套装,令所有人目瞪口呆。很快,麦当娜打来订购电话,指明了要同一个版本的深兰色丝绸衬衫,并穿着它登上MTV音乐大奖的领奖台。从此,这位天后级人物做定了GUCCI的拥 ,在她的带领下,GUCCI的时装发布会上总是坐满了欧美的明星名流。Tom Ford趁热打铁,耗资2800万美元的的摄影广告以强大的攻势投向市场,使重生的GUCCI在世界范围大放异彩,他本人也如明星般一夜窜红。

    1998年,Helen Hunt穿着GUCCI的天蓝色露背晚装登上奥斯卡领奖台,领取最佳女主角奖;1999年,当她作为颁奖人出现在奥斯卡的红地毯上时,穿的还是GUCCI的时装——那是一款经典的水晶镶边银色晚装,高雅而富有朝气。GUCCI俨然成为青春的代言。

    1999年秋冬,Tom Ford的设计再次领人大开眼界,那些精美的皮衣皮裤,将当代“波希米亚”人改装成流浪的贵族。其中一款黑色高领皮衣,将全身包裹得密不透风,却通过精妙的剪裁,表达出摄人的性感。这一年,GUCCI收购了时装界的大哥大伊夫·圣·洛朗,38岁的Ford再次临危受命,出任其创意总监。

    Ford到底有多红?除了在洛杉矶、伦敦、巴黎和德州老家的豪摘宅外,据说几年下来他的身家累计已过亿万。

    1、衣冠明星

    时髦青年的精神偶像衣冠明星

    早期电影史上,一个女演员拥有服装的多少,有时会决定她的上镜次数。也就是说,当导演腆着脸皮对你说“亲爱的,这个角色并不适合你”时,很有可能仅仅是因为你的衣服比别人少了几箱。不必感到委屈,因为那时还没有专门的服装设计师,而导演又不能无视服装对影片的影响。

    服装设计师是在不得已的情况下产生的,当大明星们每周工作六天,每天工作十四个小时,再也没时间逛时装店,没时间浏览最新的时装杂志,甚至连看一眼橱窗陈列品的时间都没有,专门的服装设计师才应运而生。这其中,爱迪斯·海德(Edith Head)是那一时期最著名和最多产的设计师之一,在她长达五十多年的职业生涯中,为500多部电影设计过戏服,这些影片包括耗资巨大的《Vertigo》、《All About Eve》、《The Sting》、《Sunset Boulevard》、《Airport77》等。

    海德在设计方案之前,总是仔细地阅读剧本,与制作人员谈话,了解每一位演员对角色的看法,然后再与艺术总监、设备师 、灯光师及导演进行交流。不仅如此,她还会研究场地的气候条件、演员的经济状况以及他们的个性等。她相信电影中的每一个组成部分之间都应有视觉与逻辑上的互补性。为电影提供时尚和漂亮的服装贯串了海德的一生,你无法想像她是怎样在《The Man Who Would be King》一片中同时为四万名临时演员设计戏服的;而在为导演Demille工作期间,又戏剧性地被饥饿的大象吃掉了刚做好的服装。

    对于服装设计师来说,默片时代的结束,意味着一系列麻烦的开始,因为那些容易发出声响的面料和饰物——比如“沙沙”作响的塔夫绸、叮叮铛铛的串珠手镯——再也不能使用了;彩色影片的诞生也带来新的问题,由于特艺彩色印片法会让戏服看起来过于华丽,所以演员们总是抱怨,她们的风头让衣服给抢去了。事实也的确如此,1932年,当琼·克劳馥穿着带垫肩的套装出现在的《Letty Lynton》中,纽约Macy′s百货公司中的类似服装,一年内就销售了五十万件。

    当然也有失败的例子,这件令人扫兴的事发生在夏奈尔的身上。1931年,好莱坞的一个摄制组出价100万美元,请可可·夏奈尔为影片《Tonight Or Never》(《今夜不再来》)设计全套戏服。然而影片放映的时侯,一种更加时髦的长裙流行起来,Chanel的服装已成为昨日黄花。

    这次惨痛的失败令好莱坞心有余悸,很长时间不再敢与设计师冒然签约。不过,一些大的摄制组仍然允许明星在一些著名的时装工作室购买时装。此外,他们偶尔也会派一些大牌的明星到巴黎购物,顺便做一下预先的宣传。1925年,Gloria Swanson(格洛瑞尔·斯旺森)即在捧回裘皮及其他时装的同时,在巴黎的时装店抛下了25万美元。

    当好莱坞进入它的巅峰时刻,影星们的银幕形象开始向生活蔓延:玛丽莲·梦露、奥黛丽·赫本、葛丽泰·嘉宝、伊丽莎白·泰勒、嘉丽莲·丹露……这些公共的玫瑰与时装相互簇拥着,创造出服装史上一个又一个商业神话。

    时髦青年的精神偶像梦露的大腿

    梦露的大腿是在电影《七年之痒》中得到展现的,同时展现的,还有人们的窥视欲望,以及整整一个时代的审美理想。

    那是一个神奇的时刻,当玛丽莲·梦露穿着那条著名的白裙子站在地铁的通风口上,一股自下而上的风将她的裙子吹过头顶——好莱坞历史上最为经典的一刻瞬间定格:全世界的男人都见识到了那双大腿,完美的大腿!20世纪的性感女神由此诞生。

    明星与时装的成功合谋,造就了电影史上一个又一个神话。梦露的神话从他认识米尔顿·格林的那天开始。1953年8月的一天,摄影师米尔顿·格林在“二十世纪福克斯电影公司”的停车场里遇见一个刚刚被炒了鱿鱼了小演员,这个人就是玛丽莲·梦露。不管“福克斯”对梦露的演技怎么看,格林的看法很简单,那就是一个星期只付给梦露1500美元的报酬多少是低了点。他建议梦露和他合作,成立自己的电影公司。

    1955年1月,玛丽莲·梦露穿戴着格林为他选定的钻戒和奶白色羊绒大衣,一头黑发染成轻盈的铝白色,出现在“玛丽莲·梦露电影制片公司”的开业仪式上。这一性感形象的全新打造,使那个原本看上去多少有些没头脑的傻姑娘,一夜之间成为好莱坞最抢手的性感明星。

    作为一个精神病患者的私生女,1926年出生的玛丽莲·梦露和夏奈尔一样,有一个不堪回首的童年。她曾做过十二个家庭的养女,遭受过形形色色的虐待和凌辱:有的家庭拿威士忌酒瓶给她当玩具,有的把唱《耶苏爱我》当成对她的惩罚,还有的家庭用磨刀的皮带抽打她。16岁的时候,她便和一个大她很多岁的男人结了婚,并学会了如何在墨菲床(不用时可折起放进墙壁的床)上富有性感。尽管这次可怕的婚姻很快就结束了,但她从此患上了慢性失眠症,说话也变得结巴起来。

    与夏奈尔不同的是,对这段历史她选择了闭口不提,而不是胡编乱造。所以,当她在功成名就之后,捧着夏奈尔的香水对媒体说“睡觉的时候,我只穿夏奈尔5号”时,显得特别的天真和可信。这番话让所有的男人想如非非,也让“夏奈尔5号”成为历史上最畅销的香水。

    一个只穿香水睡觉的女人——她应该有一头银色的卷发,穿白色的露背晚装。她的脸微微仰起,这样可以在俯视的时候让浓密的睫毛迷人的下垂,眉毛则挑逗的上扬着,半张着轮廓丰润的嘴唇,唇边有一颗黑痣——性感的标志,位置不能弄错,在左边。

    这就是梦露,20世纪性感女神的标准造型,据说她每次出门,要提前3个小时来化妆。对此她的解释是:“我唯一关心的人就是那些在时代广场的大众,他们聚集在影院门口,在我进入的时候他们无法靠近,如果我化了淡妆,他们永远不会看我,因此我的浓妆是为了他们。”

    梦露的大腿,梦露的浓妆,梦露的香水……,这一切都是为男人准备的。而男人们的欲望也反过来造就了一个梦中的女人,这个女人的一举手一投足都将引起时尚界的阵阵骚动,并迅速催生时装店里的销售奇迹。

    时髦青年的精神偶像不朽的赫本

    1961年,当奥黛丽·赫本(Audrey Hepburn)穿着纪梵希为她设计的黑色裙装,戴着黑色的长手套和蒂凡尼(TIFFANY)珍珠项链,挽着高高的发髻,一手拿着咖啡杯,一手捧着羊角包,出现在电影《蒂凡尼的早餐》中,那款小黑裙立刻和赫本一道,成为电影史上不朽的丰碑。

    赫本与纪梵希的梦幻组合为20世纪60年代的时装树立了一个优雅的样板。他们在《蒂凡尼的早餐》中联手打造的一系列形象令人至今难忘,尤其是那款小黑裙,通过赫本的经典演绎,成为所有时尚百科全书和时装编年史上必提的一笔。除此之外,纪梵希为赫本在《龙凤配》《下午之爱》、《千面丽人》、《巴黎热情似火》等影片中设计的戏服,均一次又一次地证明,时装只有和明星联姻,才能最大限度地彰显出它的大众意义。

    奥黛丽·赫本的着装影响了整整一代人的审美趣味,无论银幕上下,她的举手投足之间总能折射出令人叹服的优雅与美感,她的童花式发型、卡普里长裤、黑色的高领毛衣和平底浅口鞋,长期以来被视为高贵与时髦结合的完美典范,引领着一代又一代的时尚潮流。此外,还有一件小东西几乎贯穿她的一生,那就是她几乎从不离身的大型黑色太阳镜。忠实记录这副眼镜的两帧剧照分别出自《罗马假日》和《蒂凡尼的早餐》,最后一次出现则是为《浮华世界》杂志拍摄封面的时候。并不是每个小脸庞的明星都有勇气尝试这螳螂式的阔边眼镜的,奥黛丽·赫本的过人之处在于,她不仅把一副模样古怪的眼镜戴得风情万种,更将其提升为个人形象的独特标志。

    1989年,赫本在她最后的影片《直到永远》中,以一个天使的形象退出影坛。此后,她担任起联合国儿童基金组织亲善大使的角色,穿着纪梵希为她制作的一系列麻质衬衣,出现在埃塞俄比亚、孟加拉或其他非洲国家的儿童中间。她与纪梵希最著名的一张照片就是在这个时候留下的:冬日的赛纳河畔,身穿浅色风衣的赫本与纪梵希并肩而行,身材高大的纪梵希将左手搭在赫本瘦弱的右肩上,他们的步履看上去从容而缓慢。他们都老了,纪梵希满头白发,赫本那张精美的脸也不再年轻——此时的赫本已年届60,与第二任丈夫离婚多年,酗酒和病患正在一点一点地吞噬她的身体。1993年,63岁的赫本在瑞士病逝。

    然而,《罗马假日》、《龙凤配》和《蒂凡尼的早餐》中的赫本却并没有消失。2003年,著名时尚杂志《Vogue》一年一度的时尚标志评选中,奥黛丽·赫本依然以她高贵优雅的形象居于榜首,与她齐名的男榜冠军,则是以不断变幻发型而著称的时髦球星贝克汉姆。

    2004年4月,索斯比拍卖公司为赫本生前的衣物、饰品及珠宝举行了一场慈善义卖,拍卖所得17.7万美元全部捐给了成立于1994年的“奥黛丽·赫本儿童基金会”。在这场拍卖中,  

    赫本的一个黑色鳄鱼皮包和手套最为抢手,最后以3.6万美元成交。她生前最为钟爱的一套淡粉色纪梵希晚礼服,也被人以1.7万美元领走。

    时髦青年的精神偶像马龙·白兰度的经典形象

    如果说奥黛丽·赫本树立了电影史上淑女的范本,那么经典的硬汉小生则非马龙·白兰度莫属。1951年,当年轻英俊的马龙·白兰度身穿紧身T恤出现在《欲望号街车》中,他的野性十足的硬汉形象连同充满汗臭的无袖T恤一起,成为女人们衡量男性苛尔蒙指数的理想标准。

    1924年出生的马龙·白兰度可谓生逢其时,他的线条硬朗的面孔、粗犷的性格、结实的肌肉以及精湛的演技,刚好成熟于一个充满叛逆的时代即将到来之前。1954年,在以《萨巴达》、《朱利斯·凯撒》和《狂野的人》三部影片获得奥斯卡奖三次提名之后,终于凭借一部《码头风云》捧回了无数明星梦寐以求的小金人。在这部低成本制作的影片中,白兰度扮演的码头搬运工和他在《欲望号街车》中塑造的流盲无产者一样,成为美国工人阶级的代表。

    而在时尚领域,真正令白兰度独领风骚的,是他1953年在《美国飞车党》中的装扮。在这部影片中,他以一个身穿皮夹克、驾着两轮摩托飞车狂奔的反叛形象,风靡了整整一代青年。他的钉满了铁扣和拉链的皮夹克、斜扣的鸭舌帽、牛仔裤、长统靴、黑色的皮手套,以及招牌式的紧身T恤,无一不被年轻人热烈的效仿。作为20世纪60年代的超级偶像,马龙·白兰度所引发的摇滚风暴早已超越了一般的服饰范畴,而被赋予了时代的内涵。这种不以时尚而征服时尚的现象在服装史上并不多见。

    1970年,年近50的马龙·白兰度重出江湖,在弗朗西斯·科波拉导演的影片《教父》中,以其含而不露却时刻蓄势待发的精彩表演,确立了黑帮老大唐·维克托在电影史上的不朽地位。他本人也因此再次登上奥斯卡影帝的宝座。他的白衬衫、深色条纹西服、露在西服口袋外面的白手绢、一丝不乱的后梳发型以及哼哼唧唧慢条斯理的说话方式,随着《教父》的一再热映成为男人们追崇的经典造型,以至乳臭未干的莱昂纳多在泡妞的时候也要将头发梳成“教父”的样式——不过大多数女人还是认为他《泰坦尼克号》上的表现更好一些。

    以“阿飞”形象而出道的马龙·白兰度,最终以“教父”的形象而收山应该算是实至名归,尽管他在后来的影片《巴黎的最后探戈》、《超人》、《现代启示录》以及《干燥的白色季节》中均有不俗的表现,但比起那个整天抱着一只小猫沉默不语的 “教父”来,还是差了一些。

    时髦青年的精神偶像那张似是而非的脸

    在整个的1980年代,全美国,甚至全世界的人都在听着同一个人的歌,模仿着同一个人的太空步,他跳舞时第四个手指的抖动、额前飘落一缕卷发、穿衣服的方式、打响指的手势……。这个人就是麦克尔·杰克逊(Michael Jackson)。

    而这个只戴单只手套的歌手又是那么的不可模仿。他的尖利诡异却一尘不染的嗓音、独树一帜的舞步风格、远离现实的MTV幻境、闪电般颤抖的肢体语言,都让他远离所有的追随者,成为不可超越的坐标。

    当时尚的意义被解释为对某个人爱到无法再爱时的一种身体趋同,便可以解释为什么1980年代的小伙子都喜欢戴着挂满流苏的半截手套、穿紧身的皮夹克、将头发弄成稻草的样子。不仅如此,如果有钱的话他们还准备将轮廓欠佳的鼻子垫高,将下巴弄成古罗马斗士的形状,而皮肤,如果洗衣粉可以漂白的话,他们一定会义无返顾地跳进洗衣机。

    谈到皮肤,不妨将话题扯远些。

    有一个关于防晒的广告,拍的是一个美女剥一只煮熟的鸡蛋,那圆润的蛋白本身已是如此幼滑,以至当她以一个非常轻、非常美的手势将表层的薄衣再次揭除,那剔透晶莹的蛋白质便达成了所有女人们心中的梦想。太诱人了,那轻轻一撕的动作,是女人们在心里重复了多少遍的动作——如果皮肤能够随时更换……。

    吴宇森的《变脸》可以看成是这一愿望的延伸,影片中他让两个截然不同的人物交换了面孔,变脸之后的种种冲突已难唤起女人们的激情,因为变脸本身已提前结束了她们的审美欲望。换一副面孔?这太不可思意了,女人们在心里完成的故事恐怕比任何一部电影都要惊险得多:想想看,一个相貌平平的女人一旦换上了张曼玉的面孔将会怎样?

    并非没有可能。当一个名叫Peter Butler的外科整形医生从理论上证实了面部移植的可能性,变脸由幻想成为现实似乎只是一个时间问题了。然而,这并不是一件轻松的事,或者说在实际的操作中,它一点也不具有审美的快感,在Peter Butler的计划中,这将是一个复杂的手术。首先,它意味着一个人的死亡,其次这个人的死亡时间不能超过6个小时,然后这个人的脸将被整个地剥离下来,包括皮下脂肪、肌肉、嘴唇、下巴、耳朵、鼻子,八根主供血管甚至少量的面部软骨、头皮、颈部皮肤……。你可以想象这些只是鸡蛋表面的一层薄膜,但剥离的过程却令人毛骨悚然;你想象它鲜血淋漓地覆盖在你的脸上,而此时你的脸已不知所踪。

    我们还会怀念自己的那张脸吗?那张曾经带给我们诸多遗憾的,甚至让我们嫌弃的脸,当它被医生以一个轻率的动作扔进垃圾桶里的时候,我们会不会冲过去将它拣起来?

    关于这一点,麦克尔·杰克逊应该有最深刻的体会,这个天才的歌唱者或许是人类历史上第一个撕下了自己的脸皮的人。虽说勇气可嘉,然而行动似乎过于超前了点,当他的皮肤在一次又一次的置换中开始剥落,我们有理由认为,一个人的幻想和金钱若是大大地超越了  

    现实,有时也未必是件好事。现在,这个变脸的先驱只能带着精美的面具隐居在阴暗的豪宅里,不能见人,不能见阳光。Peter Butler能拯救他现在的脸吗?这个皮肤正在死去的人又是否怀念他过去的脸?

    但不管怎么说,变脸,这太神奇了!你看着一张美女的脸,你看着她一颦一笑,就象看着自己的脸;你想象着那鸡蛋的薄膜被轻轻地撕去,就象读一篇恐怖小说。

    时髦青年的精神偶像麦当娜的街头趣味

    麦当娜与时尚的经典组合诞生于1990年的一次巡回演唱。在那次表演中,麦当娜穿上法国时装设计师让·保罗·戈尔捷为她设计时装:肉红色的紧身胸衣,刺眼的锥型胸罩,网眼吊带袜随着穿着着大腿的紧绷与变形,显现出一种无比的粗鲁与放纵。毫无疑问,那是一场成功的表演,麦当娜的热辣煽情与那些暴露到近乎无耻的服装简直珠联璧合,令观众如痴如醉以至疯狂。让·保罗·戈尔捷的大名也随之不胫而走,一夜间,久违多时的紧身胸衣和网眼袜在时尚圈中再度回潮。

    从淫荡娇纵的物质女郎,到目不斜视的“庇隆夫人”,麦当娜的每一次的变化都让她的追随者措手不及。1983年,刚刚出道的麦当娜即以挑逗的超短裙、坦露的小腹、刺猬般的染发和杂乱无章的首饰令街头的女孩们兴奋不已。有趣的是,第二年华纳唱片公司即以一个相反的形象发行了她的唱片专辑《像个淑女》,其中的主题曲竟跃上了美国流行歌曲排行榜的榜首。

    以街头坏女孩形象一炮走红之后,麦当娜急速转型,在1985年的热门歌曲“Material Girl”、“Live to Tell”中,她又以齐整的波浪状金发、时髦昂贵的服装、貂皮披肩以及钻石首饰向她心中的偶像玛丽莲·梦露致敬,并以物质女郎的称号开创了在时尚界呼风唤雨的新局面,一时间假钻饰、廉价的人造皮草成为时髦女孩的必备装束。

    1989年,麦当娜走到了反叛的极端,在新专辑《像个祈祷者》(Like a Prayer)中她不仅烧毁了十字架,还挑衅地亲吻一个非洲裔的美国教徒。整个美国都被惊呆了,这是她唯一不能被人们模仿的一次:宗教团体发誓要将她驱逐出教会,百事可乐因此取消了500万美元的广告合同,《滚石》杂志则将她评选为当年最差歌手和最差录影带得主。

    然而麦当娜却尝到了丑闻的甜头,随着恶名的远扬和专辑的畅销,她开始了放荡生涯的全盛时期。1990年,在Blong Ambition tour演唱会中,她终于在服装的设计上与有着“坏孩子”之称的让·保罗·戈尔捷一拍即合,那些自虐式的紧身胸衣、近乎无耻的锥型胸罩,在麦当娜狂野挑逗的表演中大受追捧。就这样,一种内衣外穿的新风尚犹如热病般在时尚界传播开来。 

    麦当娜乘胜追击,取名为《性(Sex)》的写真自传迅速出笼。尽管这部“性史”受尽嘲笑,但她在其中穿过的一件皮胸罩,仍于不久前在一家拍卖网站上拍出了1.38万美元的好价钱。除此之外,她的一条丁字内裤也被人以荒谬的高价领走。

    然而,当人们还沉浸《性》的放纵中窃喜不已的时候,麦当娜却已经开始了她的转世投胎的新举措。这个疯狂的女人忽然摘去了假睫毛,把稻草式的头发弄得比挂面还要直,然后穿上1940年代的外套和大衣,戴上黑色的长手套,扮起了纤尘不染的圣洁天使。

    再去追随她的步伐已经来不及了。当她以新鲜出炉的淑女形象一举击败米歇尔·法伊佛,争取到在电影《庇隆夫人》中扮演阿根廷第一夫人的机会时,人们终于明白,这个靠露肚脐起家的小女人,并不像他们想的那么简单。

    2003年6月,44岁的麦当娜开始了对好莱坞时尚的总清算。在一张名为《Hollywood》的新MV中,这个一向被认为时尚急先锋的女人以多种造型“赤膊上阵”,以自摸、自虐、露底狂劈及模仿注射等表演,揭开了好莱坞女星们以注射肉毒杆菌来消除皱纹的美容老底。不仅如此,为了重现好莱坞曾经的奢华,她还斥资2000万美元置办演出的时装和钻石首饰,短短几分钟的超豪华表演,一举终结了街头趣味和她的所有牵连。

    时髦青年的精神偶像奥斯卡的时装盛宴

    一件衣服,当它的功能仅止于彰显名利和炫耀身段,它的最佳去处无疑就是奥斯卡颁奖仪式,那里具备了高级时装所需要的一切:金钱、荣誉、全世界最迷人的脸蛋、为开叉长裙而准备的大腿、媒体的聚焦、广告商的期待、操纵者的谎言……。一件衣服究竟值多少钱?此时已与这件衣服本身无关,它取决于明星的号召力和广告商精确的计算。

    据统计,目前为止,这个世界上能享受高级订制时装的人已经不足2000,而这些人中有一半将在“奥斯卡”碰面。所以,一年一度的奥斯卡与其说是电影界的一场盛会,不如说是时装界的大火拼。奥斯卡提名正式宣布前几个月,一些设计师就开始寻找最有可能获得提名的热门明星,主动要求免费替她(他)们设计礼服。颁奖典礼正式举办前几周,数十家珠宝商、首饰厂家、发型设计商店及化装师,便纷纷在洛杉矶临时“落户”,建起自己的办公室,专门为各路明星提供免费服务。

    为了让自己的品牌与明星同台亮相,设计师们不仅争相将价值连城的衣服拱手相赠,如果可能,他们更愿意奉上首饰和其它的一系列配件。原因很简单,即便没人花得起10000法郎买一条裙子,但却有成千上万的人花得起30法郎买一瓶同品牌的香水或领带。据统计,在范思哲公司1999年的总收入中,有21%的利润来自衣饰配件。也正是在这一年,凯瑟琳·泽塔·琼斯穿着范思哲的露背晚装在奥斯卡的大红地毯上出尽了风头。

     2003年,中国歌手李汶应邀在奥斯卡颁奖典礼上演唱电影《卧虎藏龙》主题曲,铺天盖地的预先报道中,有一大半竟是关于她如何置办行头的:“为了想在典礼上有最优秀的表现,李纹对自己的服装抱着‘输人不输阵’的想法,奥斯卡大会也特地为她请来三位世界最顶尖的服装造型师,替她设计三套礼服,其中一位还是名影星朱莉亚·罗伯兹的专属设计师”,“而身为华人的COCO表示:绝对会有代表中国服饰的旗袍出现”,“典礼的排场相当大,主办单位安排李纹星光大道时穿一套、看节目时穿一套、上台表演又另一套、最后庆功宴上再秀一套”……。这就是奥斯卡的奇妙所在,时装在这里不仅可以标榜功名,有时还能替人壮胆!

    不管怎么说,一年一度的奥斯卡不仅让设计师们赚足了银子,也让时尚刊物的销量大增:谁穿得最差,谁穿得最好,谁最性感,谁最庸俗等等,如此这般的评论总让人兴致勃勃。早些年,中国演员陈冲因为一部《末代皇帝》而出席了奥斯卡颁奖仪式,其蹩脚的打扮让媒体骂了个痛快。后来出名的巩俐也没逃过媒体的法眼,那些时尚编辑们实在挑不出衣服上的毛病,就说那件漂亮的旗袍穿在巩俐身上,就像是借来的。唯一没有被损过的大概就是章子怡了,但是由于她的身材并非性感,所以那些露背的晚装旗袍,绚丽的绣花肚兜,当她穿着它们踏上红地毯的时候,媒体的精英们在赞叹中国服装的博大精深时,忍不住又将她的瘦削身材嘲笑了一番。

    也许只有当我们身临其境,才能感受到一件衣服对于明星们的意义:那样的一个夜晚,那样的一群人,镁光灯闪烁,全世界的镜头向这里聚焦—— 一件衣服,或许就是一个人在场的全部价值。

    还是让我们回味一下这场时装盛宴中的经典名菜吧。

    时髦青年的精神偶像奥斯卡的时装盛宴

    奥斯卡史上最华贵的礼服是格蕾丝·凯丽创下的。1955年,这位后来的摩纳哥王妃凭借一部《乡下姑娘》登上影后宝座,她那天的礼服之华贵直追公主,这件由设计师伊迪丝·海德量身打造的衣服,据说仅衣料就花去了4000美元,因为那种罕见的冰蓝色是靠手工一根根染成的,然后送往巴黎手工缝制。与之相配的手袋,则缀满了从肯尼亚海岸40000多颗母珠中精选出来的珍珠。

    1958年,保罗·纽曼的妻子乔安娜·伍德沃德自制的礼服成了媒体瞩目的焦点。这一年她主演的《三面夏娃》和伊丽莎白·泰勒主演的《战国佳人》相遇,不抱希望的乔安娜穿着自己缝制的绿色礼服出席典礼。“我原以为泰勒会获奖”,乔安娜兴奋地说,“所以在衣服上没花什么钱。”这件衣服的确太没什么特点了,但却是世界时装史上唯一一个DIY(自己动手)战胜了高级定制时装的例子。

    1969年,芭芭拉·史翠珊的黑色晚礼服在奥斯卡颁奖台上获得了最为意外的效果。那一年她因主演《滑稽女郎》而获最佳女主角提名。颁奖之前,她准备了三套衣服去见奥斯卡之夜的节目制片人霍华德·W·柯契。霍华德对前两套都不满意,于是她出示了最后一套——这是一件黑色的纱衣,在光线黯淡的试衣间显得十分炫目。当她穿着它走上领奖台,所有的人都傻了,因为在强烈灯光下,她的衣服仿佛突然消失了。她几乎全裸地站在那里,接受着主持人的轻松调侃。

    冰岛女歌手比约克2001年出席奥斯卡时穿的天鹅装,是从法国的Piece博物馆借来的,衣服的佩饰是一只白色天鹅蛋。这件体现环保意识的作品同时还出现在比约克2000年的唱片《Vespertine》封套上。没想到的是,奥斯卡之后这件衣服获得劣评如潮,被人讥讽为“垂死天鹅”,在英国“年度十大最差衣着排行榜”上名列第五,《今日美国》的网上读者干脆将她评为该届最差衣着女星。

    1997年,妮可·基曼穿着Dior设计的鹅黄绣花改良旗袍走上红地毯,引发全球中装风暴。尽管后来的中国影星们也穿着旗袍在奥斯卡频频亮相,但最知名的旗袍却仍是妮可·基曼的这件。

    被人称为刀片美女的雪儿,1984年凭《西尔克伍德》获提名时,是穿着正统礼服出席的。但1986年她主演的《面具》夺奖呼声虽然很高,却连提名也没有得到。不知她穿着朋克礼服出场是否与内心的愤怒有关,不管怎么说,这件惊世骇俗的衣服成为奥斯卡时装史上最知名的一件。1988年,她终于凭《月色撩人》走上领奖台,这个善于作怪的女人穿着缀满亮片的蝉翼纱衣,打扮得像个脱衣舞娘。

    时髦青年的精神偶像从25$——250万$(1)

    20世纪80年代,超级模特Christy Turlington的一次表演,就从范思哲手上赚取了5万法郎,这样的挣钱的方式令许多女孩羡慕不已:这些扭着屁股走来走去的模特,她们之所以能从时装设计师的手中得到大把的钞票,仅仅是因为她们穿了一下他们的漂亮衣服! 

      事实的确如此。当一个时装设计师想确立或保持他在时装界的地位,启用“超级名模”有时是唯一的办法,他们之所以接受这些模特们开出的天文数字,并不仅仅是因为她们穿衣服比别人好看,而是因为她们能为自己的品牌带来更大的声名和利益。所以当千面娇娃琳达·伊万捷丽斯塔(Linda Evangelista)慵懒地说“一天挣不到一万美元,我是不准备下床的”时,设计师们知道,一个时装与模特共存亡的时代开始了。

    模特这个职业并不是一开始就这么令人眼热的,世界上的第一个模特玛丽·沃斯就从来没有拿到过一分钱——当然,那是因为她的雇主既是被称为时装之父的沃斯,同时也她的丈夫。

    职业模特的真正出现始于1916年左右的英美等国,当时的一些商店因为起用“难看的、化妆过分而背上又长着脓包的工厂女工”来展示商品,而受到媒体的嘲讽。相形之下,模特的步伐在巴黎的却晚了很多年,直到1950年代模特才被视为一种职业,并且“仍旧没有什么社会地位”。但另一方面,这些高个儿的姑娘们又很受富有男子的欢迎,当时有一个被称为“神秘的模特”的女孩,叫苏穆兰,她的回忆使人相信,时装表演有时的确会让人走火入魔:

    “莫利纳公司为我设计了一套上等的东方服装。里面装有电灯。我的头巾上的一块宝石和我的耳环也能点亮。两个黑人孩子朝着我的脚下撒玫瑰花瓣。观众中的男子跑来将我踩过的花瓣拾起来吻。想想这种场面吧!我的一些年轻的男朋友在模特走道的尽头等着我。有一个走上来递给我两个里面有钻石和翡翠的盒子——我敢发誓我说的是真事。”

    尽管如此,模特在当时仍不是一种令人尊敬的职业。她们衣着光鲜地在时装店里待着,为的只是向那些傲慢的顾客展示服装;或者一连几个小时地傻站着,听任设计师拿衣料在她们身上试来试去。她们常常无所事事,闷得发慌,而一旦工作起来却又像机器一样“快得发狂”。不仅如此,她们还要忍受令人难堪的低下收入。很难想像,1940年的模特一天只能赚上25美元。

    这样的情形在1960年代得到好转。由于服装业的发展,模特终于从时装的附属一跃而为行业的代表,有些模特甚至成为家喻户晓的国际明星。以身材娇小而著称的模特Twiggy(特维吉)在1966年获得了“年度杰出妇女”称号,这在从前是不可想像的。

    模特地位的迅速提升直接反映在她们令人咋舌的收入上。1970年代,一个名模每天挣5000美元已不在话下,而到了1990年代,这个收入又翻了几乎两倍。非常成功的模特一年能挣到25万美元,这其中大约有30人一年能挣到50万美元,更高级的则能挣到250万美元。

    从每天的25美元,到每年的250万美元,模特身价的直线飚升标志着一个身体作为商品的日渐成熟。这也是成衣业迅猛发展的一个阶段,尤其是第二次世界大战后服装的批量化生产,为模特工作的职业化提供了理想的条件。对于那些既想工作又贪图享乐的女孩来说,做模特不失为一举两得的选择,但是想做模特的人多了也未必是好事,她们的工作条件也变得相对苛刻起来,她们不仅要完全听凭模特公司和雇主的召唤,同时还要小心翼翼地保住饭碗。模特成名是因为她们穿衣方式的与众不同,而不是因为她们的长相。所以她们的身体变成了与自我意志相分离的产品。这也是为什么模特的生活方式与常人不同的原因之一,她们之所以能够自如地运用身体获取一切,是因为她们的身体本身就是工作的工具。

    时髦青年的精神偶像从25$——250万$(2)

    模特职业很快发展成两大种类:一种是T台模特,一种是摄影模特。T台模特主要是运用高挑的身材进行动态的时装展示,她们在跑道上必须保持身体柔软、动作敏捷和有节奏感。摄影模特则主要从事静态的展示,为杂志或其它平面刊物拍摄关于时装的照片。相形之下,摄影模特的身材不一定要那么高大,但面部特征却很重要,她们不一定要漂亮,却一定要上相。所谓上相就是在镜头里轮廓清晰,任何角度看上去都很完美。想做到这一点并不容易,所以,模特业中的整容现象非常普遍。早在1950年代,一位深受迪奥宠爱的模特就做了好几次面部整容。有的模特为了使脸颊看上去更有骨感,不惜拔掉后面的牙齿。名模韦鲁什卡为了使脚看上去瘦小一些,竟从每只脚上抽掉了一个关节骨。

    1960年代是模特业的转折点,库雷热和玛丽·奎恩特的宇宙服和流行服向时装业中的传统表现方式发起了挑战。尤其是奎恩特,她为年轻人设计的超短裙、灯笼裤、绑腿、聚氯乙烯服装、高统靴、印有动物图案的夹克衫等一系列具有少年梦幻感的服装,使被称为嫩枝(Twiggy)的模特Leslie Hornby一路窜红,成为1960年代的时尚偶像。

    Twiggy是当时最完美的模特。她的胸部平坦,四肢瘦弱,看上去像个发育不全的唱诗班男孩。然而正是这样的形象与玛丽·奎恩特的超短裙一道,成为那个时代的象征,不仅如此,她还开始生产自己的化妆品、服装、内衣和袜子,用自己的名字命名玩具……,很难想像这一切都是在她19岁退出时装舞台前完成的。

    正是这样的前景驱动着无数女孩做着模特的梦。但并不是每个模特都能如此幸运的,更多的模特甚至无法从时装公司得到固定工作。而一个模特一旦被认为形象落伍,就意味着很有可能一夜之间被甩出公众的视线。1970年代的当红模特施林普顿有一次在葡萄牙拍摄时装照片,忽然她发现原本应该穿在自己身上的时装被一个更加年轻的模特得到了。她知道自己失宠了,但也只好看着这一切离自己远去。 

    随着模特地位的变化,T台模特和摄影模特之间的界线越来越模糊,对模特的外型要求也越来越高,她们不仅要身材匀称,脸蛋也不能马虎。在这样的情况下,一个模特除了工作之外,还要用大量的时间健身和美容,这包括节食、运动、按摩、桑拿浴和手脚的护理。名模埃勒·麦克弗森既将自己的成功归因于严格的节食和运动。她每天做的第一件事是500个仰卧起坐和喝三升水。

    尽管如此,面对身边的超级同行,超级模特们仍然时时感到巨大的威胁和压力。辛迪·克劳馥在一次访谈中流露:“在跑道上展示时装是一种困难的工作。你的周围有40个世界上最漂亮的女人。你看到的只是自己的缺点。而不是别人的缺点。”施林普顿的感受或许更强烈些:“那种不安全感使我在梳妆台前流连,并不断跑进女厕所检查自己的外表。这真是一种可怜的情形!”而模特蒙丘尔却说:“这是一种上瘾的事,因为你通过别人的眼睛来获得自己的生存意义。一旦别人不再看你,你就会一无所有。”

    时髦青年的精神偶像与摄影师调情

    1970年代的某一天,超级名模琼·施林普顿正在《时尚》杂志摄影室里拍摄一则广告,忽然看见从布帘后面露出一个男人的脑袋来,这个人就是大名鼎鼎的激进派摄影师戴维·贝利(David Bailey)。在后来的回忆中施林普顿承认:“我的确注意到他的小脸,一头黑长发,黑而充满怀疑的眼睛和一种有吸引力的警惕表情。”显然,施林普顿被这个“有吸引力的男人”吸引了。但贝利当时没说一句话,只是盯着施林普顿看了一会儿,然后就消失了。这让施林普顿很失望,“哦,他没拿我当一回事”,她想。这想法通常是一个希望被观看的模特的正常反应。

    但来自贝利的叙述却反应了这件事的另一种真相:“我走进《时尚》杂志的摄影室,看见布莱恩·达菲在给琼·施林普顿拍一张凯洛格麦片公司的广告。我说:‘天哪,达菲,我想分一块。’‘算了吧,’他说,‘你配不上她。别想把你的腿伸到她那儿去。’我们打了十美元的赌,这对我们这些刚刚出头的人来说是不小的赌注。”

    贝利赢得了他的10美元。三个月之后,他就和施林普顿同居了。

    摄影师和模特之间明显的性意味,是1960年代时装摄影的特点之一。这一时期的时装照片大多采用正面的镜头对着模特,表现一种自发的、带有明显性意味的动作和表情。施林普顿常感到她工作在一种“很强的性气氛”里,她说“摄影师对模特来说的确有一种魅力。被关在摄影棚里会产生一种有性意味的关系,而这种关系往往随着摄影过程的结束而结束。”  

    但事实上她和贝利的关系正好相反。

    戴维·贝利、特伦斯·多诺万和布莱恩·达菲是那个时代的英雄,他们以摄影为手段控制着模特们的形象和时尚的面貌,因而被称为“厉害的三人集团”,1966年的电影《春光乍泄》即是以他们为原型,描绘了时装摄影师狂野放纵的生活。达菲曾直言不讳地承认自己是“有凶暴的异性恋倾向的痞子。”而放荡不羁的戴维·贝利则在1965年与著名影星嘉芙·莲丹露结婚之后,继续制造着一系列爱情故事。达菲认为正因为如此,他们才没有将模特仅仅看成衣架,而是强调了她们的女性特征,并使她们充满生气。

    时装摄影有时是一件戏剧化的事,尤其当它发生在一个封闭的空间里。施林普顿回忆起她与演员史蒂夫·麦奎因的一次合作,简直就像是一部电影:

    “埃夫登的拍照方式很有戏剧性。他放着流行音乐叫我用充满爱的目光盯着这个男人。我知道他的意思;他要我表现出激情。

    史蒂夫·麦奎因不太自如,也许这是因为表演和做模特完全是两回事:它们是两种不同的技能。埃夫登开始了拍摄。当他拍开头12张照片时,我紧紧地坐在麦奎因的身边并用拇指和食指轻轻捏住他的耳朵。我作了埃夫登要求我做的事——在近距离内充满激情地看着麦奎因的蓝眼睛。

    埃夫登催着我们:‘不错,太棒了,停下来。就是这个样子!保持这个样子。棒极了……’

    模特会无意识地数快门开关的次数。当我意识到12张照片已经拍完时,我让自己全身放松,等待埃夫登再次拍摄。我想麦奎因以为我真的对他有意思。这其实不对:这只是模特工作的方法。我决不是为了他而显示我的性感,我只是在工作。这成了一种条件反射:进入情感,停下来,坐在那儿等,然后在进入情感,直至摄影师满意……

    这些迅速的情感变化使麦奎因大吃一惊。他带着一种学术口吻对我说:‘你感情说来就来,说走就走。’

    我耸耸肩说:‘这是我的工作。’”

    然而,当时装摄影师越来越离经叛道自行其事,时装设计师和时装杂志的编辑们终于忍不住了,他们开始抱怨摄影师根本不了解时装,因为他们拍出来的照片除了反映那些混乱不堪的关系外,什么也没反映。有一位设计师在《时代》杂志尖锐地指出:“我很自私地想让衣服看去很漂亮;摄影师很自私地想出名;艺术指导很自私地想拿出一张使人吃惊的照片;杂志很自私地想推销广告和杂志本身。这么多自私的目的把事情弄得一团糟。”就这样,公众舆论的激烈反对终于结束了摄影师的黄金时代。

    到了1980年代,一批女摄影师的迅速成名使男摄影师的统治地位受到挑战。这些女摄影师通过对人物姿态的丑化,对时装摄影的成规提出疑问。她们让模特放弃了过去那种常规的姿势,表现出失望、无聊、恐惧、痛苦、绝望等带有叙事色彩的表情,服装同样被置于无关紧要的境地。

    1990年代晚期,一种被称为为“吸毒者时髦”(Heroin Chic)的新摄影流派开始大行其道,这些大量起用骨瘦如柴的模特的时装摄影由于有美化瘾君子之嫌,而遭到一致的谴责,很快偃旗息鼓。

    时髦青年的精神偶像广告——一次秘密的合谋

    模特们一夜暴富的梦想实现起来有时轻而易举,只要她们有本事与化妆品公司签上一年的合约。1987年,卡尔文·克莱恩为了推销他的“迷幻”牌香水,以100万美元的代价和模特乔斯·博兰签订了为期三年的合同。这份合同详细列出了以下的服务内容:

    “所有广播中的广告及利用此媒介的促销(包括全国性的广播网、地方电台、有限和闭路电视、调幅和调频电台、电影),印刷形式的广告及利用此媒介的促销(包括使用保养说明、标签、容器、包装品、说明材料、推销手册、封面、图片、评论、公司报告及所有在杂志、报纸、期刊和其他印刷品中登出的促销性印刷材料),这种服务同时也包括,但不限于时装展览、零售点展览、个人展览和其他被认为或可能被认为涉及时装展览的促销行为。”

    简言之,博兰的形象三年内完全为“迷幻”牌香水所有,不得挪做它用。不仅如此,博兰还被要求“按照卡尔文·克莱恩不时提出的合理要求,保持她的体重、发式、头发颜色及所有身体外表的特点”,并具体规定了她的生活方式“必须恰当反映卡尔文·克莱恩产品的高标准及尊严,不得以任何形式减低、损害和破坏此商标的声誉。”

    这份合同的有趣之处在于它反映了模特与雇主之间的关系,模特的身体在这里完全成为商品,被卡尔文·克莱恩以形象代言的方式全权买断。我们可以想像在这三年里,博兰梳着“卡尔文·克莱恩”式的发型,穿着“卡尔文·克莱恩”式的衣服,抹着“卡尔文·克莱恩”式的口红……最重要的,无论在那里,无论她是否闻着“卡尔文·克莱恩”的味就想吐,也得洒上“迷幻”牌香水……。

    “迷幻”牌香水最终是否会成为博兰的噩梦我们不得而知,我们知道的是博兰无权终止合同,除非她忽然残废、生病或精神失常——看来100万美元并不好挣。当然,正如我们所知,卡尔文·克莱恩自己并不会印钞票,他的那100万美元最后都分摊在每一瓶香水上,被消费者大方地买单了。

    不管怎么说,当模特的知名度远远高于设计师的时候,后者就不得不依靠她们的力量来推销自己的产品:卡尔文·克莱恩请出了克里斯蒂·特尔灵顿(Christy Turlington)为他的“Eternity”品牌代言;伊斯特·劳登(Estee Lauder)的代言人是宝丽娜·珀里兹科娃(Paulina Porizkova);辛迪·克劳馥则在露华浓的广告中展开她著名的点缀着一颗黑痣的微笑。而当歌星乔治·迈克尔(George Michael)重金聘请琳达·伊万捷丽斯塔(Linda Evangelista)、纳奥米·坎贝尔(Naomi Campbell)、克里斯蒂·特尔灵顿和塔亚娜·琶提兹(Tatjana Patitz)等一干人马为其拍摄1990年的MTV《自由》时,这些超级名模终于成功地杀出时装的重围,开始向演艺界挺进:她们摇身一变成为摇滚的代言,而那些真正的歌星们反到成了陪衬。

    蓬勃发展的广告业将模特的面孔安插进日常生活的每一个角落,在那些巨大的广告牌上、电视屏幕上,模特们不仅销售时装、化妆品,还卖果汁、汽车、电脑……。这些动辄身价百万的姑娘们,住的是世界上最豪华的宾馆套房,出入有长得不能再长的轿车接送,身边围满了贴身的保镖……。她们终于以取悦于男性的方式,在男权社会里杀出一条血路,创造出世界上唯一一个在收入上压倒男性的行业。

    时髦青年的精神偶像他们把名模怎么了

    当纳奥米·坎贝尔一而再再而三地迟到、拖拉、耍她的坏脾气的时候,时装摄影师和时装杂志的编辑们面对这些他们一手打造出来的时尚恐龙,终于再也忍不住了,以至于代理她们的模特公司也不得不宣称:无论损失多么惨重,公司和客户们都不愿意再忍受她们了。

    时装设计师们的愤怒或许来得更猛烈些,这不仅是因为他们受够了超模们令人揪心的要价,更因为他们花了这么多的钱似乎也并没能让人们多看自己的设计一眼——相反,时装的风头完全让名模本身给抢去了。他们开始怀念起1980年代之前的岁月,那时超级名模的概念尚未出现,传媒对时装表演的评论总是直接地集中在款式、面料、裁剪以及表现风格上,很少被模特分神。而现在,那些时尚记者和专栏作家更感兴趣的是琳达·伊万捷丽斯塔是否怀孕,克劳蒂亚·希弗是否和大卫·科波菲尔结婚,在拳击手迈克·泰森和影星罗伯特·德·尼罗之间坎贝尔究竟和谁打得更火热……。超级名模的故事变得比时装更精彩,大有包揽一切绯闻之势,以至于辛迪·克劳馥刚刚在《泰晤士报》上刊登了自己与里查·基尔的爱情宣言,紧接着就上演起肆无忌惮的离婚闹剧。

    1995年,时装设计师们决意联手封杀这些目中无人的时尚恐龙,不再向她们节节攀升的出场费低头。于是,在那一年的巴黎时装展示会上,超级名模们的身影几乎完全消失了,取而代之的是一批新的面孔。在这些新出道的女孩中,有身材瘦小的凯特·莫斯(Kate Moss)、贵族朋克式的斯提拉·特南特(Stella Tenant)以及来自亚洲的珍妮·石明珠(Jenny Shimizu)。这其中,尤以凯特·莫斯的形象重新界定了模特的概念,这位被时装摄影师Corrine Day发掘出来的小妞,尽管体形瘦削甚至还有点罗圈腿,却并不影响她在21岁时和卡尔文·克莱恩签下200万美元的合同。

    时装模特的形象很快走向另一个极端。这些刺着文身甚至吸毒的姑娘被打扮成邻家女孩的模样,走在T 台上也不在乎头发是否蓬乱,唇膏是否化得满脸都是。1990年代后半叶的野小子造型,以及低迷颓废的吸毒者形象,在这些模特的推动下成为时尚的潮流。

    不过这股潮流并没能维持多久。1997年,20岁的时装摄影师戴维·索仁提由于吸毒过量而猝然死亡,在时尚界引起震惊。人们开始谴责和唾弃此类倾向:一些曾经在封面上刊登病态造型的杂志收到读者的抗议来信;有瘾君子之嫌的广告被迫终止;模特经纪公司不得不采取强制手段让手下的模特去戒毒;甚至美国总统克林顿对此也发表了严厉的批评。

    这一切让失宠的老名模们在暗中窃笑不已——那些新面孔不过是昙花一现,时装的荣耀最终还是要由这些T台宿将来恢复。设计师的联手同盟不攻自破,克劳蒂亚·希弗、辛迪·克劳馥、纳奥米·坎贝尔、克里斯蒂·特尔灵顿,这几位硕果仅存的超级模特再次以她们的超级身体占领了伸展台前沿和摄影机的正面镜头。那才是她们应该待的地方,而此前她们试图开辟的第二战场——克劳蒂亚在德国电视上主持的脱口秀、坎贝尔的唱片和小说、辛迪·克劳馥担任主角拍摄的第一部电影——无一例外地以惨败而收场。  

    时髦青年的精神偶像致命的芭比(1)

    如果一定要在超级名模之间给出座次,那么无论是坎贝儿、辛迪·克劳馥,还是过去的特维吉,恐怕都不能排在首位,这一方面是因为她们谁也不会服谁,另一方面她们的迟到、绯闻、漫天要价等种种“恶行”也确实让人们怀疑起她们的职业道德感。而另一个女孩就不同了,她拥有39-18-33的黄金三围却从不计较出场费,拥有享誉天下的美名却从不向摄影师发难,从不迟到,从无绯闻,对所有的设计师都一视同仁……总之人类的所有缺点她都没有,人类所有的优点她也不怎么拥有——这就是家喻户晓的芭比娃娃,自1959年诞生之日起,这位非人类的超级模特已穿过10亿件时装,足迹遍布150个国家。

    芭比诞生于二战后的美国,据说它是马特尔公司所有人露丝·汉德勒想象的产物,因为她看见女儿喜欢玩当时流行的纸娃娃,所以一直想要设计一款立体娃娃。一次在德国度假,露丝无意间发现了身高11.5寸,三围39-18-33的德国娃娃“莉莉”。正是这个娃娃激发了露丝的灵感,回到美国后,露丝立刻对莉莉的形象加以改造,让她看上去像玛丽莲·梦露一般地性感迷人。1959年3月9日,世界上第一个金发美女娃娃正式问世,露丝用小女儿芭芭拉的呢称给她命名,从此这位金发美女就叫做“芭比”。有趣的是,“莉莉”的形象事实上是一名叫做杰克·瑞安的人设计的,此人曾为德国的瑞西恩公司设计过鹰和麻雀导弹。

    芭比的诞生从一开始就带有性感的意味,她的鱼雷般高耸的双乳作为物质富足、家庭和睦等象征,成为战后美国的新一轮梦想。

    1960年代起,芭比的形象开始发生变化,她的眼神更加柔和,眉毛也更加的细弯了,两只大耳坠成了普通的珍珠耳坠,到后来干脆消失。1971年,第一次出现了古铜色皮肤的芭比。1980年代又出现了黑皮肤的芭比,并开始穿起职业装。据统计,芭比至今为止已从事过包括时装模特、时装设计师、时装杂志编辑、芭蕾舞演员、空姐、运动员、动物权利志愿者等在内的80多种职业,代言过45个民族,拥有43种宠物。在美国,一个11岁的小女孩可能拥有过10个芭比娃娃,同龄的法国小女孩则拥有5个。不仅如此,那些成年的女性同样喜欢购买芭比,事实上平均每一秒钟,世界上就有3个芭比娃娃被售出。而一个在1959年标价3美元的芭比娃娃,如果保存完好,现在可能会值到5000美元。

    每一个曾经拥有芭比的人都知道,只要买上一个芭比娃娃,就会对它的各种配饰垂涎三尺:那些浅帮的高跟鞋、配套的手袋、带有圆顶帐子的卧具或装备齐全的野营车……。芭比的妙处就在于它既是一名出色的消费者,同时又是一个消费品。多年来,马特尔公司为芭比设计了一套市郊居民购物专用的衣装,并建造了一座供芭比专用的私人购物商城,使这个标准的物质女郎得以保持居高不下的购物狂热。据美国一家杂志统计,从诞生至今,“芭比娃娃”已经缔造了一个总额高达220亿美元的庞大市场。

    这也是芭比为什么只招女孩或女人喜欢的原因,很显然,这个漂亮的女孩从来不会在男人面前对她们构成威胁,因为男人们宁愿去欣赏一个哪怕丑陋的真实肉体,而不会对一个穿着漂亮衣服的假娃娃发呆。但女孩们(或者女人们)就不同了,她们关心的恰恰是那些华美的衣服。通过为芭比购物,女孩们学会了如何才能成为一个熟悉各种品牌的消费者,如何解读商品的外包装,同时也了解到时尚和品味对于社会地位的重要性。

    更为有趣的是,波兰克拉科夫大学的科学家格拉季娜·加辛斯卡通过研究发现,“三围”中的胸围和臀围大而腰围小,即所谓的“芭比娃娃”或“沙漏”体型的妇女,比其他体型的妇女生育能力强。

    时髦青年的精神偶像致命的芭比(2)

    据北京科技报报道,格拉季娜·加辛斯卡的研究小组调查了119名年龄在24岁到37岁之间的波兰妇女,这些被调查者体重既不偏高也不偏低,同时也不服用任何激素。对她们的唾液所作的分析发现,腰围/胸围比低的妇女的唾液内的雌二醇数量比其他体型妇女多了26%,而在她们的排卵高峰期间,雌二醇数量可比其他体型妇女多37%。此前美国科学家已经证实,雌二醇数量高的女士,容易怀孕。格拉季娜·加辛斯卡等人还发现,腰围/臀围比低的妇女的血液内的黄体酮数量,比其他体型妇女多很多,而黄体酮数量高也表示生育能力强。

    看来,西方人对“芭比娃娃”的喜爱是有一定的生物学依据的。

    近年来,“芭比娃娃”因身材和服饰变得越来越妖娆而遭到了不少批评,这其中,怀孕的“米姬娃娃”成为众矢之的。1998年面世的米姬娃娃是芭比家族中的一员,也是“芭比娃娃”最亲密的朋友,她曾一度是全球最畅销的玩具娃娃。米姬娃娃已经结了婚,有丈夫还有一个3岁的儿子,2001年在市面上出售的米姬娃娃明显怀孕了。因此不少父母抱怨,米姬娃娃并不适合孩子们玩耍。美国沃尔玛超市发言人也宣称,在沃尔玛开始售卖怀孕的米姬娃娃后,就不停收到消费者的投诉和抱怨,因此沃尔玛不会再出售米姬娃娃。据称,在费城的“芭比娃娃”卖场,消费者也全都反对商场出售这样的玩具。

    另一款“内衣芭比”命运也没好到那里。这款新推出的“内衣芭比”脚蹬高跟鞋,身着纯黑色或粉红色丝袜和吊袜带,还佩带着不少具有挑逗性的饰物。虽然马特尔公司发言人表示“内衣芭比”的销售对象不是儿童,而是供成人收藏的。但此款“内衣芭比”令部分消费者感到不能容忍。甚至俄罗斯总统普京也专门签署命令,禁止在“芭比女郎”俄国销售。

    “芭比娃娃”应该成长吗?《商业周刊》在“2001年全球最佳品牌”排行榜上对“芭比”评价说:“她不仅是个玩具娃娃,她更是美国社会的象征。”事实也确实如此:作为世界上最成功的女孩玩具,芭比娃娃的影响力已经超越了玩具概念,进而在大众心理和精英文化领域产生了深远影响。在美国,她已经成为一个可以进行多重解析的文化符号,并创造着高额的利润。

    也许是为了挽回负面影响,2003年5月20日,日本MIKIMOTO珠宝公司在东京银座区展示了20个镶着TAHITI珍珠和钻石的“芭比娃娃”。并于当年12月在巴黎进行拍卖,所得款项全部捐赠给了法国红十字会,以帮助世界上那些还穿不上衣服的孩子。 
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